VIOLET EVERGARDEN

La creación de un personaje se asemeja mucho a esculpir una estatua o pintar un retrato, cada detalle es importante como cada trazo o cada golpe de cincel. Todos los matices que se incluyen los dotan de características únicas y los hacen complejos y atractivos, además, si añadimos que suelen sufrir cambios a medida que la historia avanza o que dan lugar a hechos o situaciones para los que han sido concebidos, tenemos como certeza que hay que tener en cuenta multitud de detalles en su creación.

Pero ¿qué matices logran hacer que un personaje sea una “obra maestra”? Teniendo en cuenta que cada persona tiene gustos diferentes y que valora la vida desde distintos puntos de vista, parece imposible llegar a un consenso común con el que lograr establecer unas características básicas. Personalmente cuando escribo estas reseñas se que lo hago desde mi punto de vista, pero las hago con la intención de ofreceros información que os pueda ser útil a la hora de elegir series con el denominador común del Steampunk o cualquier otro retrofuturismo. Pero volvamos al tema que nos ocupa, lo que debería ser fijo en la creación de personajes es que la credibilidad tendría que estar entre las más importantes, me refiero con ello a que nos haga creer que podemos “tocarlos" con nuestras propias manos, independientemente de que sean de origen fantástico o real. También deberíamos tener en cuenta la capacidad para hacer que nos posicionemos a su favor o en su contra, independientemente de si son villanos, héroes o ambos a la vez. Que nos hagan pensar sobre las situaciones por las que pasan, que nos emocionen, que nos hagan enojar por sus formas de pensar y actuar, en definitiva, que no nos dejen indiferentes. La serie Violet Evergarden cumple con algunas de estas características, la complejidad con la que están construidos tanto la protagonista como el resto de personajes hacen de ella una serie emotiva. La prueba está en el hecho de que fue una clara triunfadora en los Kyoto Animation Award’s de 2014, al ganar los tres primeros premios en las categorías de novela, escenario y manga, algo que no había ocurrido hasta entonces en la historia de los premios.

LA SERIE

Gilbert Bougainvillea poniéndole el famoso broche a Violet Evergarden.

Kyoto Animation estrenó el anime en Japón el 11 de enero de 2018. La dirección del anime ha estado a cargo de Taishi Ishidate. Akiko Takase ha diseñado los personajes tanto en el anime como en las novelas. La historia fue escrita por Kana Akatsuki y se compone de dos novelas publicadas en diciembre de 2015 y 2016 respectivamente.

La calificación de la serie es Steampunk pero es una referencia poco clara, pues la estética general parece ubicada al final de la primera guerra mundial. No posee elementos clásicos del género Steampunk, como pudieran ser máquinas imposibles llenas de engranajes, zepelines o vehículos a vapor, todo el steam se concentra en la protagonista y su estilismo.

Las sinopsis que describen la serie lo hacen explicando que las “auto memory dolls” fueron unas autómatas que creó un científico con la intención de ayudar a su esposa ciega a escribir novelas. Posteriormente se hacen populares en empresas de mensajería y otros negocios que utilizan el mismo concepto pero con personas normales, al tomar el trabajo de transcribir cartas o documentos para quienes no pueden hacerlo. Los comentarios que he leído sobre el tema en la página donde la he visto dicen que esto no es correcto, ignoro si en las novelas se hace alguna mención o referencia más concreta pero ciertamente, con el anime realmente parece un poco fuera de sentido.

TECNOLOGÍA

La tecnología reseñable de la serie son los brazos de la protagonista, hechos con una tecnología misteriosa que juega el papel de hacernos dudar de la naturaleza de la misma. Para los exigentes como yo, la existencia de tan avanzada tecnología no queda suficientemente explicada, aunque ése misterio parece es un elemento más del argumento que compone la idiosincrasia de la serie. Poco más se puede añadir de los prodigios que ayudan a la protagonista a continuar con su vida diaria, a excepción de las reacciones que provocan en los personajes que la van conociendo a lo largo de la serie.

UBICACIÓN HISTÓRICA Y PERSONAJES

Como anticipaba al principio del artículo, la serie parece ocurrir al final de la primera guerra mundial, aunque no se hacen menciones explícitas de lugares o nombres de batallas reales. Lo que se encarga de dejar claro la época histórica son los aviones, los coches, los barcos, las vestimentas, los edificios, las armas, etc, pues su realismo contribuye contundentemente a definir el estilo visual de la época en la que transcurre, y lo mejor es que lo hace con un estilo proporcionado y limpio que resulta muy agradable de visualizar.

En cuanto a los personajes voy a repartirlos en tres secciones de menor a mayor importancia: los personajes ocasionales, son los que irán apareciendo en el camino de la protagonista y que aportaran diferentes experiencias vitales de la vida. El contacto entre ellos y la protagonista conlleva cambios para ambos, son variados y aportan a la serie la sensación de un escenario realista y complejo.
Los personajes habituales son los allegados que forman parte de la vida diaria de la protagonista y que al igual que los ocasionales sufrirán cambios en sus vidas al relacionarse con ella.
Y por último tenemos a la protagonista, Violet Evergarden, el eje sobre el que gira la trama de la serie. Sin duda, al ver los primeros compases de la serie no he podido evitar recordar al ya mítico personaje de Rei Ayanami de la serie Evangelion, la que hizo famosa a los personajes femeninos de carácter tranquilo y retraído que tanto se encuentran en las series de manga y anime. Dependiendo de cada historia estos personajes tienen mejor o peor desarrollo, en el caso de Violet Evergarden nos encontramos con un personaje realista de infancia perdida y traumática carente de valores afectivos. Un problema, este último, que a mi juicio es causante de importantes problemas en la vida adulta de muchas personas. Es aquí donde la serie da más que pensar, pues aunque la protagonista reúne exageradamente la carencia total de sentimientos hace que nos podamos situar en una posición ideal para empatizar con éste tipo de problemas.

Rei Ayanami el controvertido personaje de la serie Evangelion.

En este sentido es curioso ver como el flujo de sentimientos va de forma bidireccional entre la protagonista y el resto de personajes, ya sean ocasionales o habituales. La protagonista, como es habitual inicia un camino por el que irremediablemente será influenciada por los sentimientos de las personas con las que tiene contacto, pero los demás también lo serán, al ser juzgados por su mente racional carente de ellos. Un círculo sobre el que irán girando los argumentos de cada capítulo de forma equilibrada y que tendrá su cenit de forma desgarradora y emotiva, en un dolor que es inevitable en la vida.

Violet Evergarden es un personaje que nos hace plantearnos la importancia de nuestras decisiones, ésas que no se pueden cambiar una vez que ya hemos dado el primer paso y por las cuales tendremos que aceptar las consecuencias el resto de nuestra vida. No obstante también nos enseña a seguir adelante y el derecho a segundas oportunidades, independientemente de los graves que hayan podido ser. Una verdadera catarsis para el espíritu.

OPINIÓN PERSONAL

Violet Evergarden

Violet Evergarden​ es de esas series que me mantuvieron en tensión entre los días que había entre capítulo y capítulo, pensando en la profundidad de la historia. Es de las que suelo volver a ver con relativa asiduidad para disfrutar sus detalles y los matices  que se me pasaron por alto anteriormente, de las que repito para apreciar plenamente su banda sonora y el timbre de las voces de los personajes, de las que me recreo una y otra vez con su increíble diseño visual. Pero sobretodo, cuando tengo la necesidad de conmover mi espíritu y es que una de las características que más me gustan del anime en general es la capacidad de recrear las emociones de forma bella y profunda con la imagen, la voz, la música, los escenarios y la propia historia.

Añadir leyenda

Me gustan diferentes tipos de anime, ya sean de acción, humorísticos, románticos, etc, para mí son como la música, siempre hay un momento ideal para cada uno. Pero sin duda alguna siempre es de agradecer una historia bellamente orquestada que demuestre que unos “dibujos” pueden llegar a tener tanta calidad artística como cualquier película o serie. En mi opinión Violet Evergarden lo logra, y lo hace con muy poca cantidad de capítulos pero con una historia intensa en la que hay muchos matices que se pueden escapar en la primera vez que se ve, pero que sin duda están ahí. Así que para los que os animeis a verla, preparar un buen bol de palomitas, algún que otro paquete de clinex y preparaos para disfrutar de una bella historia sobre un personaje en el que uno podría perfectamente verse reflejado.

Un saludo para todos.
Jorge Cabrera García.

SO.RA.NO.WO.TO

SORA NO OTO, SONIDO DEL CIELO

Cuando decidimos leer un libro, ver una película o una serie, lo hacemos con la intención de adentrarnos en una historia que responda a nuestros gustos personales, para saciar nuestra necesidad de conocimientos, por curiosidad o simplemente por entretenimiento. Independientemente de las razones que nos motiven, solemos esperar una trama interesante que nos mantenga pegados a la historia, personajes con los que podamos sentirnos identificados, una buena banda sonora, etc. 

Entre el amplio abanico de series  anime que podemos encontrar hoy en día hay para todos los gustos, algunos argumentos abarcan desde la salvación de la humanidad hasta la del propio universo. Otros en cambio, solamente cuentan las historias cotidianas de sus protagonistas, sean de naturaleza fantástica o realista. 

SO.RA.NO.WO.TO está inspirado en un estilo ficticio basado en la segunda guerra mundial (Dieselpunk), pero no es un anime de acción, ni tan siquiera histórico, es una serie que cuenta las historias cotidianas de sus cinco protagonistas. En esta serie en concreto y como suele ser habitual en muchas otras, las protagonistas responden a los clichés habituales del género, la inocente, la arisca, la figura materna, la introvertida y la heroína. Por definirlo en pocas palabras.

Una de las cuestiones que más sorprende, es que cuando la ves varias veces te das cuenta del potencial que posee la trama y la tecnología creada para darle vida. Y sorprende por el hecho de ver que con el paso del tiempo no salen más temporadas y que la compañía encargada de la franquicia deja caer en el olvido tan estupendo material. ¿Porqué ocurre esto? Nos podemos preguntar. Por lo que he podido observar después de algunos años viendo series de anime japonés, por un lado las temporadas de emisión de los animes en Japón están muy condicionadas con las cuatro estaciones climatológicas, lo que ocasiona que las productoras se peleen por las audiencias durante todo el año en periodos relativamentes cortos de tiempo, a excepción de algunas series que se emiten durante todo el año por tener unos argumentos dilatados. Por otro lado, el mundo del anime, del manga y de las novelas ligeras en Japón se encuentra sumamente saturado, además de ser altamente competitivo, lo que lleva a que las decisiones sobre las continuidades se centren generalmente en los beneficios que generan.

LA SERIE

La historia se centra en la vida diaria de las cinco protagonistas en la fortaleza donde prestan su servicio militar. Dicha fortaleza está ubicada en un pintoresco pueblecito llamado Seize, inspirado en el turístico y famoso ciudad española de Cuenca y de parte de su comarca (Sí, habéis leído bien). En el aspecto estético también hay que llamar la atención sobre el opening de la serie, inspirado en la obra del famoso pintor Gustav Klimt y que sirve para introducir a las protagonistas de forma bastante original.

Algunas fotos comparativas del anime y la realidad.

Pero si os sorprende el hecho de que un ciudad española sirviera de inspiración para ubicar la serie, no es menos que un instrumento musical como es la corneta militar sea la piedra angular que une a varias de las protagonistas. Desde luego, los japoneses son capaces de hacer historias a partir de cualquier objeto o motivo por nimio que parezca y hacer que además resulte interesante y atractiva. Según el criterio y gustos de cada espectador, por supuesto.

Puede que a la mayoría de personas que se animen a verla les pueda parecer aburrida y hasta infantil, sobretodo si esperan ver una serie de acción trepidante o no están familiarizados con este tipo de animes. SO.RA.NO.WO.TO es un anime de argumento amable y sencillo, las historias discurren a través de doce capítulos (Más una OVA de divertido argumento) con total naturalidad, en los que vamos conociendo a las protagonistas, y acaba en un final trepidante que nos deja con ganas de más. No obstante, a pesar de que el argumento podría dar pie a desarrollar más temporadas o incluso alguna película, debemos conformarnos con la porción de historia que se nos ha ofrecido hasta la fecha. 

Su emisión fue en 2010 y lamentablemente es muy difícil (por no decir imposible) encontrarla en formato DVD o Blu-ray original, con subtítulos en castellano. La única opción es buscarla on-line en alguna página especializada o en YouTube, aunque es muy probable que falten capítulos o no estén completos. También se puede optar por la versión con subtítulos en inglés.

En cuanto a la banda sonora, aunque no alcanza tintes épicos si que cumple su función perfectamente, estando muy bien compuesta y realzando las escenas y el ritmo bellamente.

TECNOLOGÍA

Reproducción con piezas de LEGO del Takemikazuchi, una especie antigua de tanque con patas de araña asignado al grupo militar de la fortaleza del tiempo, el lugar donde transcurre la serie.

Aunque la tecnología que se observa está claramente inspirada en la segunda guerra mundial, la historia deja entrever que existe una tecnología superior que se perdió con el paso del tiempo y que en el momento en el que transcurre la serie es difícil de recuperar, aunque no imposible. 

Algunas escenas responden a preguntas sobre la situación histórica en la que se sitúa la historia, pero eso quiero dejar que los descubráis por vosotros mismos, pues tiene mas clasificaciones además de dieselpunk.

GEOGRAFÍA Y PERSONAJES

El cuartel donde prestan su servicio militar las protagonistas se encuentra en la frontera de un país ficticio llamado Helvetia. Dicho país lleva disfrutando de un periodo de paz con los vecinos que se encuentran en la frontera donde está Seize. La fortaleza sirve de centro de vigilancia de la zona, por eso no hay más que una pequeña guarnición destinada a llevar a cabo tal desempeño, las cinco protagonistas de la serie son las encargadas de tan importante misión. 

Por otro lado, la tradición del lugar entronca las figuras de las habitantes de la fortaleza con una antigua leyenda local. La cual habla de unas doncellas que lograron aplacar la ira de una bestia voladora que asolaba la zona, salvando al pueblo de Seize de una destrucción segura gracias a su valerosa actuación. Una festividad que se celebra anualmente y que mezcla las procesiones católicas y japonesas al mismo tiempo.

De las protagonistas dije que cada una tiene una personalidad distinta que responde a los arquetipos más comunes de los animes japoneses. Este hecho será el motivo por el que la serie nos gustará o nos parecerá ridícula. Muchas series de anime suelen tener varios personajes femeninos que acompañan al protagonista masculino de turno (lo que se conoce como anime tipo harén) pero SO.RA.NO.WO.TO no es el caso, las protagonistas lo son por derecho propio, dejando a los personajes masculinos como meros secundarios. 

• Kanata Sorami: es la nueva recluta de la fortaleza, su deseo es aprender a tocar la corneta. Es inocente y despistada y es el centro de los personajes de la serie. 
• Noël Kannagi: es introvertida e inteligente, su labor principal en la fortaleza es reparar el tanque takemikazuchi, asignado a la unidad. Tiene un oscuro pasado por haber sido una niña superdotada al servicio del ejército.
• Kureha Suminoya: tiene un carácter fuerte y decidido, le encanta servir en el ejército y tiene un gran sentido del deber. Tiene un pasado duro y difícil por el cual considera al ejército su única familia.
• Filicia Heideman: de carácter afable es la oficial de más alto rango de la fortaleza. Tiene un doloroso pasado como soldado durante la última guerra, sirviendo en la tripulación de un tanque.
• Rio Kazumiya: es la segundo al mando en la fortaleza, está encargada de los toques de corneta hasta la llegada de Kanata, también sabe tocar la trompeta. Tiene una personalidad fuerte y emocional.

El argumento de cada capítulo está desarrollado con la habitual sensibilidad a la que están  acostumbrados los japoneses y que dicta que los mejores momentos de la vida se encuentran en las acciones cotidianas, aunque nuestras protagonistas vivan alguna que otra aventura que se salga de la norma.

Por orden de izquierda a derecha, Kanata Sorami, Noël Kannagi, Kureha Suminoya,Filicia Heideman y Rio Kazumiya, las protagonistas de SO.RA.NO.WO.TO.

OPINIÓN PERSONAL

Me encantan la calidez y sencillez de este tipo de series, creo que no hacen falta argumentos extravagantes ni enrevesados para crear historias entretenidas y bonitas que sienten como un soplo de aire fresco. También me quedo con los valores que defiende sobre la amistad, la compasión, la unidad y el sentimiento de pertenencia a un grupo como si se tratase de un clan. Un valor que sigue muy vigente en el Japón actual y que suelen plasmar en muchos animes. 

La serie es un mundo idealizado que se acerca a la realidad por su complejidad y realismo a la hora de construir los personajes y el argumento, aunque el comportamiento de los mismos sea idealista. El sufrimiento está presente en el elenco de SO.RA.NO.WO.TO, aunque sean cándidos e inocentes, como el personaje de Kanata Sorami. Todos han sufrido, de una manera u otra el rigor de la vida o la guerra y tienen cicatrices que para algunos son difíciles de curar.

Rio Kazumiya y Kanata Sorami, con sus respectivos instrumentos musicales.

Una característica de muchas de las series que he visto, es la capacidad de plasmar escenarios sacados literalmente de la realidad, hay auténticas obras de arte en éste aspecto. Tengo que decir que si alguna de las series inspiradas en la edad media que he visto, hubieran prestado el mismo trato a los escenarios serían más impresionantes de lo que ya son, como por ejemplo SPICE AND WOLF una serie con un argumento muy complejo e interesante. En SO.RA.NO.WO.TO además el escenario nos es conocido, un aliciente muy importante que hay que valorar a la hora de elegirla. Un ejercicio que hice en su día y que recomiendo después de ver SO.RA.NO.WO.TO es ir a visitar Cuenca para descubrir las ubicaciones que los animadores utilizaron y en qué forma. Fue muy agradable ver el amanecer desde el Parador Nacional...Y hasta aquí, puedo escribir.

Un afectuoso saludo a todos,

Jorge Cabrera.

El universo de Last Exile

Cuando me propusieron hacer una reseña de la serie de anime japonés “Last Exile” para el blog de Steampunk Madrid, mi reacción fue la de preguntar si podía mencionar a mi álter ego, pues hace tiempo decidí ambientarlo en el universo de esta serie. Todo empezó cuando descubrí que casi todos los steamers que estaban a mí alrededor tenían, por lo menos uno y yo, no quería ser menos. El motivo por el cual me interesó el movimiento Steampunk, fue sin duda porque la estética de la época y la ideología romántica del periodo histórico en el que se inspira me atrae poderosamente. Pero no sabía que era un retrofuturismo y tuve que aprender el concepto sobre la marcha.

Debo reconocer que la tecnología de la época resulta un poco frustrante para mí, ya que soy un apasionado de la aeronáutica moderna, por lo que, zepelines, locomotoras, máquinas a vapor con infinitas aplicaciones e incluso autómatas de metal que inspiran cientos de relatos no lograban convencerme para la creación de un universo a la medida de mi propio personaje. Pero rápidamente me dí cuenta de que aquella serie que había visto unos años atrás era ideal para servir de hábitat a la historia de “mi otra vida".

La primera acción a tomar fue averiguar si el mundo de Last Exile podía encajar en las características de un universo Steampunk, pues a priori, no aparecen locomotoras, zepelines o autómatas y la tecnología que se observa, aunque tiene cierto gusto a siglo XIX es claramente superior y distinta a la de aquella época. Comentando con algunos amigos que la habían visto la catalogaron como Steampunk, pero según qué fuentes, la clasificaban como dieselpunk. No obstante a pesar de la controversia, tomé la decisión y empecé a escribir, ya que realmente me gustaba mucho la serie y quería vivir la historia de mi alter ego en ella. Y con la decisión tomada nació Natham Cuesck, piloto de vanships y capitán del aerobuque Albatros.

Vanship de entrenamiento de la Academia militar de cadetes de Anatoray, lugar donde Natham Cuesck cursa sus estudios. (Maqueta elaborada por el autor del artículo)

Llegados a este punto voy a explicar por qué Last Exile se convirtió en una de mis series preferidas. La razón más importante es que como amante de la aeronáutica me fue muy fácil enamorarme de un mundo en el que cualquier persona, incluido dos adolescentes con escasos recursos económicos, surcan el cielo con el aire acariciando sus rostros y la libertad instalada en sus corazones, con la sana intención de ganarse la vida con el “vanship" heredado de sus padres. Un aparato volador que se encuentra a caballo entre un avión de la segunda guerra mundial y un helicóptero, y que para colmo, funciona con la sencillez de la mecánica de un coche antiguo (en cuanto a la facilidad del mantenimiento, pues los propios protagonistas lo reparan). Además, el universo resulta lo suficientemente coherente para crear la historia de un álter ego con la profundidad de un personaje real, pues todo está ideado con sumo realismo. Como por ejemplo algunos aspectos del vuelo visual, la física del vuelo acrobático o los instrumentos de cabina típicos de cualquier avión real.

Modelo de vanship de guerra de Anatoray, perteneciente a la capitana Tatiana Visla, embarcada en el aerobuque Silvana.

LA SERIE

Las protagonistas de la segunda serie, Fam Fan Fan y Giselle Collete, montadas en su famosa vespa, un aparato que también pilota Natham Cuesck.

El mundo de Last Exile se compone de dos series y varios tomos manga que enlazan y complementan las dos partes. Si bien, la segunda también resulta atractiva desde el punto visual y tecnológico, no alcanza en mi humilde opinión la calidad argumental de la primera y que la hace tan especial. Además, no queda clara la conexión entre ambas y esto llega a confundir a las personas que deciden adentrarse en la historia, sin haber leído los mangas o informarse complementariamente.

La primera serie fue creada específicamente para conmemorar el décimo aniversario de la compañía de animación japonesa GONZO. Este hecho queda más que patente en la calidad de la misma en varios aspectos. Para empezar, la gran cantidad de escenas creadas con animación 3D en las que aparecen vanships efectuando maniobras acrobáticas, gigantescos aerobuques enfrascados en cruentas batallas, viajes por océanos de turbulentos vientos, etc. Todas ellas supusieron un esfuerzo enorme para el equipo de animación, que tuvo que emplearse a fondo para llevarlas a buen puerto.

La calidad de la banda sonora que acompaña a cada capítulo, es otra razón de mi afición a la serie. Desde el apasionante tema del opening hasta la dulce melodía del ending, pasando por las cuidadas piezas orquestales que acompañan las diferentes escenas, todas encajan a la perfección y le dan a la historia unos matices que la realzan con un estilo propio e inconfundible. Una banda sonora que personalmente, no me canso de escuchar.

El argumento perfectamente orquestado es complejo y detallado en su justa medida, con un desarrollo progresivo que te mantiene expectante durante cada capítulo. Además, en nada tiene que ver con los típicos animes de instituto, tan habituales en el género hoy en día. Necesité visionarla varias veces y buscar información en Internet para poder entenderla, pero tal vez por ello no me canso de verla de vez en cuando, siempre encuentro pequeños detalles que no había percibido anteriormente. De todas formas, no pertenece al grupo de series con un argumento enrevesado como otros clásicos más conocidos, por ejemplo “Evangelion" o “Akira", por citar algunas.

En cuanto a la diversidad de personajes, queda claro que Claus Valca y Lavie Head son los protagonistas principales junto a Alvis Hamilton. Pero el elenco de Last Exile es numeroso, variopinto y muy importante. Cada personaje añade su propio aporte de realismo al estar construido de manera coherente. Alguno de ellos tienen motivaciones propias y bien podrían protagonizar una serie aparte, como Alex Rowe, capitán del Silvana. Todos los personajes encajan en la historia perfectamente y están conectados, aunque sean secundarios, son indispensables en la trama y también pasan por experiencias que les hacen cambiar. El caso más obvio es el de Dio Eraclea, pero también se encuentra el personaje de Tatiana Visla o la propia vicealmirante Sofia.

Lavie Head, Alvis Hamilton y Claus Valca, protagonistas de la primera serie.

LA TECNOLOGÍA

El fundamento base de la tecnología del universo de la serie se encuentra en el combustible “claudia" y los motores a los que da nombre. Según he podido investigar mientras me documentaba para escribir la historia de mi alter ego, estos motores producirían ingravidez y propulsión al llevar al citado combustible a punto de ebullición, permitiendo a las diferentes naves surcar el cielo.

En los grandes aerobuques las llamadas “unidades claudia" tienen la particularidad de encontrarse en el centro de los mismos y están controladas por miembros de “Guild” que viven literalmente encerrados en su interior. Estos miembros pueden hacer que la unidad abandone el aerobuque si así se lo ordenan, condenando a la nave a un trágico final. El aspecto de los aerobuques varía dependiendo del país, pero a grandes rasgos recuerdan a grandes barcos de guerra por su forma de surcar el cielo y por su armamento. Los de Anatoray tienen blindajes corrugados al mas puro estilo primera guerra mundial, en cambio los de Disith y Guild tienen unos diseños más futuristas, siendo los de estos últimos parecidos a estrellas de mar.

Aerobuque de Anatoray.

Aerobuque de Disith.

Aerobuque de Guild.

UBICACIONES

En la primera serie, la historia gira en torno a tres países o facciones, aunque en algunos diálogos se nombran regiones o ciudades no he encontrado planos detallados de la geografía, aunque hay una razón específica para ello. Como no quiero desvelar detalles importantes de la trama, sólo los mencionaré brevemente.

Anatoray: prácticamente toda la historia de la primera serie transcurre en su territorio y una de sus mayores características es la escasez de agua que sufren.

Disith: la batalla que da comienzo a la serie tiene como objeto la invasión de Anatoray por parte de este país, ya que sus territorios se encuentran congelados y no son aptos para la vida.

Guild: el poder de ésta raza es claramente superior a las demás, disponen de una tecnología mucho más avanzada y físicamente son más capaces, poseen grandes habilidades de combate cuerpo a cuerpo. Todo lo expuesto motiva que actúen como jueces en las disputas que mantienen los demás países.

El misterioso aerobuque Silvana, parte fundamental de la serie.

Plano perteneciente a la segunda serie, que transcurre en un planeta Tierra totalmente cambiado, escrito con su característico alfabeto.

OPINIÓN

Poco puedo explicar sobre el Exile sin desentrañar parte de la trama argumental, lo mejor que puedo hacer es invitaros a descubrirlo por vosotros mismos a lo largo de los veintiséis capítulos de los que se compone la primera serie y los veintitrés de la segunda, pues es la pieza maestra que une todo el universo de esta compleja historia. También os invito a descubrir cómo los personajes se embarcan en alcanzar sus metas o luchar por sus creencias. Pues Last Exile no está exenta de valores éticos de guerreros valerosos o de personas normales que arriesgan lo poco que poseen por hacer lo que creen correcto, o simplemente para cobrarse su justa venganza. Una serie donde tienen cabida sentimientos tan reales como amores no correspondidos y el sufrimiento de pérdidas irreparables que marcan el transcurso de las vidas.

Según mi registro personal, llevo visualizadas cerca de cuatrocientas series, solo entre animación o de imagen real japonesas y coreanas. Last Exile fue una de las primeras y a día de hoy, de vez en cuando vuelvo a ella porque la considero una obra de arte. No hay muchas series que hayan logrado emocionarme de la misma forma.

La razón principal es que Last Exile me resulta idílica por el estilo de vida y las posibilidades de un mundo sin las normativas legales y económicas que convierten a la aviación actual en un mundo tan rígido y elitista. Volar en un vanship con la facilidad con la que en la actualidad conducimos nuestros vehículos es cuando menos tentador.

Surcar el cielo azul en busca de aventuras y paisajes desconocidos, como los famosos pioneros de nuestra  histórica aviación, es la viva imagen del romanticismo aeronautico. Además volar es mágico en sí mismo y yo adoro volar. 

Diseño de los personajes (Tatiana Visla)

No quiero acabar esta reseña sin citar al menos a los máximos responsables de la franquicia. El director de las dos series fue Koichi Chigira, el diseño de los personajes corrió a cargo de Range Murata y el director de producción fue Mahiro Maeda, que junto con el director ya habían trabajado en la serie Blue Submarine N°6, una de las primeras en utilizar animación informática. A esta ficha técnica hay que añadir que la primera serie se emitió en 2003, mientras que la segunda no llegó hasta 2011.

Diseño de los personajes (Lavie Head)

Quiero informaros que hace un tiempo se puso a la venta una reedición de la primera serie en formato blue-ray, en la que la remasterización ha mejorado su calidad notablemente. Viene con unos libros que contienen datos, curiosidades y dibujos que ayudan a comprenderla y conocerla mejor. En cuanto a la segunda, es casi imposible hacerse con un original que tenga subtítulos en castellano (pues recomiendo verlas en su versión original) e incluso su visualización completa on-line es complicada.

Para finalizar me gustaría dar las gracias por permitirme hablar de ésta maravillosa serie y vuestro tiempo para leer el post. Quiero apuntar que he evitado desgranar cualquier parte de la trama principal, porque mi intención es animaros a que os adentréis vosotros mismos en ella y la disfrutéis con la misma intensidad que lo hago yo.

Despliegue de la nueva edición blue-ray de la primera serie.

Un afectuoso saludo a todos,

Jorge Cabrera.

City Hall

Todo lo que se escribe en papel cobra vida y se vuelve realidad. Debido a ello, doscientos años atrás el papel y la escritura a mano fueron prohibidos después de que el mundo estuviera al borde de la catástrofe. En el presente, principios del siglo XX, en plena época del vapor, el fenómeno ha sido olvidado por la población general, a la que se le dijo que se prescindía del papel por motivos ecológicos, y sólo algunas autoridades conocen este secreto. Es entonces cuando un personaje misterioso que se oculta tras una máscara empieza a sembrar el pánico en Londres haciendo aparecer criaturas gigantescas mediante la escritura, y el alcalde decide recurrir a medidas desesperadas: llama al afamado escritor Julio Verne y le entrega papel y pluma para que con sus dotes creativas pueda hacer frente a tan peligroso criminal.

Este manga de origen francés plantea un mundo alternativo donde tienen cabida personajes históricos como Julio Verne, Arthur Conan Doyle, Amelia Earhart, Malcolm X, Abraham Lincoln, H.P. Lovecraft, Mary Shelley, Harry Houdini o George Orwell, en una ambientación steampunk donde sin embargo la tecnología digital ha sustituido por completo el uso del papel, que ahora es una reliquia. Siguiendo las pistas dejadas por Lord Black Fowl, el trío formado por Verne, Doyle y Earhart tendrá la misión de encontrarle, averiguar cuáles son sus objetivos, y detenerle.

La obra, ya acabada en versión original y que emplea el sentido de lectura occidental, está siendo publicada en castellano por la editorial Letrablanka, y se espera que esté completa para final de 2017. Sus siete volúmenes en francés están divididos en dos arcos argumentales de 3 y 4 tomos, relacionados pero independientes. Esta reseña corresponde a la primera parte (tomos 1 a 3)

Proyecciones Steampunk en Akari Works

En un post que compartió el 20 de julio en nuestra página de Facebook, Carlos Alvaredo (de Akari Works) invitó a todos de Steampunk Madrid asistir a una tarde (25 de julio, festivo en Madrid) dedicada a proyecciones de ‘anime ambientadas en la época victoriana y con ciertos elementos steampunk’. Las obras elegidas eran Nadia: el Secreto de la Piedra Azul (Gainax) (capítulos 1-6), Sherlock Holmes (Los capítulos de Miyazaki) (Rai / Tms), y El Castillo Ambulante (Ghibli).

Éramos una docena de personas quienes acudieron a la cita en  la Sede de Akari Works, situado en la c/ Ignacio Ellacuria 8 (Madrid) y, en un ambiente agradable,  pasamos horas viendo las aventuras de Nadia, Jean y compañía, riendo con el humor de esa versión del detective de detectives. A continuación estuvimos cautivados por el filme conmovedora del maestro japonés, El Castillo Ambulante.

Fushigi no Umi no Nadia (Nadia: el Secreto de la Piedra Azul)

La acción de la serie arranca en París (Francia) en 1889. Un joven inventor, Jean, ve una joven, Nadia, pasar en bicicleta y allí comienzan sus viajes juntos para descubrir el secreto de la piedra azul de Nadia, pasando por islas secretas, submarinos inspirados en las obras de Jules Verne, 

Meitantei Hōmuzu (Famoso Detective Holmes) 

No había visto esa serie y me impresionó la tierna humor de Miyazaki al interpretar la obra de Arthur Conan Doyle en clave perruno para la televisión.

Howl no Ugoku Shiro (El Castillo Ambulante)

Según lo que he leído, Miyazaki concibió esa película, una adaptación libre del Estudio Ghibli a partir de la  novela de la británica Diana Wynne Jones  como una protesta antibélica y al mismo tiempo, para mostrar el poder del amor para transformar el espíritu humano . Su fuerza poética, el bellísimo trabajo de animación, y acertado banda sonora (Joe Hisaishi) hizo de El Castillo Ambulante una de las más taquilleras del cine japonés.

En resumen, una velada de lo más agradable, y una que espero que se repite!

Fmo: Prof. Cecily Cogsworth​

Steamboy

Buenos días, buenas tardes, buenas noches jóvenes, pequeños, grandes y milenarios lectores, tanto tiempo sin leerlos, no tocar sus mentes con mis palabras.

Bienvenidos una vez más a este gigantesco y babilónico mundo del cine, hoy vamos con un ícono del Steampunk en lo que ha sido el mundo de la animación japonesa.

Introducción

De la mano de Katsuhiro Ôtomo (pueden recordarlo por películas como Memories, Metropolis y Akira, entre otras) y Sadayuki Murai (ha sido participe de las series de televisión del Capitan Harlock, Cowboy Bepop, Perfect Blue, entre otras también) es que nace Steamboy.

Las primeras cosas que me vienen a la cabeza con esta palabra, una máquina, mucho vapor, quizá una especie de humanoide y muchas mangueras soltando nubes de vapor mientras se dispone a destruir el mundo conocido (¿Japón?). ¿Sería algo así como un Frankenstein de la época victoriana quizá?

Bueno, lo que nos han dado estos dos maestros es una historia basada en la Inglaterra de la época industrial, estamos en pleno siglo XIX, alrededor del año 1860 para ser más precisos, se llevan a cabo las Exposiciones Universales aún y una de ellas viene a ser parte fundamental en la visión que se le ha dado a esta película.

La película en sí

Nuestro héroe, el joven James Ray Steam o mejor conocido como Ray, recibe una caja misteriosa en la cual se encuentra una extraña bola y unos planos. Esto enviado por su abuelo quien trabajaba para cierta corporación americana, la corporación O’Hara, hasta donde el recuerda.

Luego de un ventarrón de sucesos que pondrán en peligro la vida del joven Ray y su familia se develan algunos misterios y aparecen otros que le obligarán a tomar nuevas decisiones a cada paso que da para ponerlo en una orilla o en la otra, luego de que su supuesto y muerto padre Eddie Steam resulta estar vivo y trabajando para la corporación O’Hara. Mientras que su abuelo quien una vez apoyó y trabajó a esta corporación, ahora luego de descubrir oscuros propósitos ha decidido plantarles cara.
Esto le ha causado involucrar a Ray en una pequeña afrenta hacia la corporación y su propio hijo, tratando de sabotear sus planes a como dé lugar para evitar que logren desarrollar completamente el Castillo Steam.
A lo largo de la película el papel femenino viene de la mano de Scarlett O’Hara una niña, esto desde mi punto de vista por cierto, mimada y con mucho poder dentro de la corporación (hija del presidente de la fundación O’Hara y quien es el patrocinador de la investigación de los Steam) aunque en ciertos momentos se puede ver cierta relación de afecto que se empieza a gestar entre ella y Ray.

Los personajes

(Ray y Scarlett)

James Ray Steam (Ray), joven de 13 años e hijo de Eddie Steam, nieto de Lloyd Steam, vive en Manchester, Inglaterra donde comienza nuestra historia.

Scarlett O'Hara, heredera próxima de la fundación O’Hara, se vuelve una parte importante para Ray en lo que va de nuestra aventura.

James Edward Steam (Eddy), padre de Ray, actualmente desarrolla el proyecto del Castillo Steam que ha dejado de lado su padre Lloyd.

James Lloyd Steam (Lloyd), creador de la Steamball, los motores del castillo Steam, padre de Eddy Steam, le ha dado la espalda a la fundación cuando se ha enterado de los planes bélicos que le quiere dar a sus invenciones.


Robert Stephenson, es la contraparte británica de Eddy Steam, aporta ciertos aspectos a la película como la idea del paladín del imperio británico. Este personaje está basado en el verdadero Robert Stephenson.

Análisis de autor

La versión más profunda de la película, como decirlo sin que suene cortante; a lo largo de lo que ha sido la invención humana, hemos tenido siempre varias maneras de considerar el hecho del avance tecnológico que nos ha llevado a plantearnos distintas posturas, esto es uno de los pilares fundamentales de la película y cada una de esas posturas está respaldada o menor dicho, sirve de pilar a muchas formas, no les digamos buenas ni malas, sino formas que tienen un fin propio. Luego hay algo que sirve de hilo a esta animación, el como la visión de un niño sirve como conductor a los hechos, una mentalidad establecida desde muy temprano sirve para avanzar a través de este remolino de situaciones que cada vez van dando paso a nuevas interrogantes, no solo éticas, sino las cuales uno se puede sentir de cierta formar identificado y que lo llevan a pensar como actuaría ante esta situación o creo que esto me ocurre de otra manera y me gustaría darle una segunda vuelta o hacerlo de una forma distinta.

Conclusión

Es una película para jóvenes y adultos, con ciertos toques de drama, acción y aventura, esta última en su mayoría.

No se las voy a recomendar por ser una película de animación, si no, porque da para analizar y ponerse a pensar en el futuro cercano o lejano.


Disfrútenla y si tienen comentarios u opiniones estaré fascinado de leerlas. Solo tienen que escribirlas en la cajita de ahí abajo y podremos conversar.

Espero leeros pronto en una nueva entrega.

Vuestro, ChristoffV.

Cinefórum en el Dr. Steam, el 25 de Julio, 2015

Nos juntamos, los de Steampunk Madrid, en el cine-café `Dr. Steam´, en la calle Olivar, 17 el sábado pasado para celebrar la primera edición de Cinefórum organizado por nosotros. Esta iniciativa tiene el propósito de ver películas vinculadas al mundo retrofuturista y luego tertuliar sobre ellos en un ambiente agradable. El Dr. Steam reúne todos los elementos que requerimos. Es céntrico, bien comunicado, tiene una sala con buen sonido y bizcocho de zanahoria. O sea, un marco perfecto para nuestro evento.

Cómo primera entrega tuvimos el anime: “Steamboy”, del 2004, todo un clásico en el mundo retrofuturista. Hecho por Katsuhiro Otomo, famoso por su obra maestra “Akira”, “Steamboy” es una historia que gira alrededor una pregunta aparentemente sencilla, pero cuya respuesta nos obliga a cuestionar las fundaciones de nuestra sociedad, nuestras bases culturales. La pregunta es -`¿Para qué sirve la ciencia?´, la respuesta es obvia, la ciencia no sirve, simplemente existe. Sin embargo, “Steamboy” explora, en el contexto de un Londres victoriano distópiano, un Londres lleno de vapor y engranajes, un mundo que nos depara grandes descubrimientos que nos hace preguntarnos hacia donde evoluciona, porque queremos saber más, pero también, qué precio estamos dispuestos a pagar por ello.

En su introducción a la película, Lord Alberot nos brindó algunos datos interesantes sobre la producción de “Steamboy”, sobre todo en relación con la propia niñez y adolescencia del productor, quien vivió tiempos de grandes tensiones en el Japón. Los años 60 fueron testigos de las tremendas discordias sobre las direcciones a seguir de la nación nipona, bien hacia Occidente o hacia lo tradicional. Dentro de un contexto retrofuturista, la película explora estas tensiones en términos de luchas generacionales.

A las 19:30 tuvimos el aforo de la sala más que completo y vimos “Steamboy” en sillones cómodos y con aire climatizado (¡qué gozada!) Luego, con refrescos y tapitas, llegó la hora de la tertulia. Alberot abre la sesión con una invitación a considerar los arquetipos de steampunk presentes en la película, y entre todos identificamos unas cuantos: el héroe (James Ray Steam, hijo y nieto de renombrados científicos), la damisela en apuros (una lolita cruel y caprichosa), el idealista (bueno, no tan idealista, en realidad), un mercachifle malvado, un patrón cruel, obreros desdichados, científicos enloquecidos, nacionalistas, clérigos alabando la unión pacifica de la tecnología y el camino espiritual, militares, y hasta un ser personaje medio-mecanizado.

Hablamos de un tema importante de “Steamboy”, que aparece en el marco de la Gran Exposición Universal en el Palacio de Cristal londinense. Me refiero a la moralidad del mercado

de armas, un tema que sigue preocupándonos hoy día. Hablamos del trato que da “Steamboy”, a las figuras femeninas en el reparto de “Steamboy”, desde Scarlett (claramente una referencia a otra obra, “Lo Que el Viento se Llevó”, de Margaret Mitchell, que explora el impacto brutal de la Guerra Civil americana y que cuestiona las razones y el terrible precio de aquella contienda), hasta la fugaz visión de su Majestad Imperial. Hablamos de la lucha individual versus la colaboración colectiva cómo mecanismos de la supervivencia. Pasan las horas y las ideas brotan y florecen en un ambiente animado y amable entre nosotros. Nos preguntamos si la película “Steamboy” puede ser considerada una versión japonesa de “La Guerra de las Galaxias”. Hablamos del “Technoshock” y de ciberpunk y la merma de sensibilidad de nuestra cultura. Hablamos del viaje del héroe, tema eterno de los relatos humanos. ¿Quedan tópicos en el tintero? ¡Claro, qué sí! ¿Cómo puede ser de otra forma, una tertulia sobre el Steampunk? A lo mejor los temas qué no tocamos en aquella velada serán tratados en la siguiente edición de Cinefórum.

Fdo:

Prof. Cecily Cogsworth

*Comento yo, la profesora, que es un tema que ha ocupado a los pensadores japoneses desde sus primeros contactos con el Occidente en el siglo XVI y quizás tiene su expresión más interesante en el ensayo “En Elogio a la Sombra” de Junichiro Tanizaki, obra que recomiendo a todo lector."